ЧЕМ ВОСХИТИТЬСЯ

 

Главная

Следующая статья

Коммерция

 

   Основной тип произведений искусства, с которым мы работаем представляет собой гравюру среднего ценового (но не художественного!) уровня. Наша торговля изначально задумывалась как весьма демократичная, ориентированная в основном на покупателя, который хочет украсить свою жизнь подлинными антикварными предметами, но не настолько богат и щедр, чтобы спонсировать чрезмерные амбиции владельцев антикварных магазинов. Поэтому мы, подобно многим людям сходных мыслей, очень стараемся продавать гравюры настолько дешево, насколько это возможно.

    При этом в нашем ассортименте время от времени появляются гравюры, уровень редкости и красоты которых выходит за традиционные рамки. Здесь дело не только в возрасте, хотя листы XV и XVI веков по определению встречаются весьма редко. Бывают случаи, когда гравюра заведомо напечатана минимальным тиражом, либо она принадлежит перу/резцу/кисти знаменитого художника, либо знаменита вследствие стечения каких-нибудь еще обстоятельств. В этих случаях цена ее, естественно, выбивается из традиционного диапазона

    Как правило листы этого рода покупают серьезные коллекционеры, число которых в нашей стране растет год от года, не в последнюю очередь, надо думать, и благодаря нашим усилиям. Для большей части редких и дорогих гравюр проводятся дополнительные экспертизы, результаты которых выдаются покупателям. Здесь мы приводим несколько образцов такого рода произведений, часть которых и по сей день доступны для покупки.

 

 

Билибин Иван Яковлевич (1876 – 1942)

Название: Суд во времена русской правды

Размер: 110 х 87 см.

Продано

Год: 1907

Техника: хромолитография


 

 

   Настоящая работа Билибина относится к недолгому периоду его сотрудничества с издателем Иосифом Николаевичем Кнебелем (1854 – 1926). В середине 1900-х годов последний задумал издание обширной серии хромолитографий «Картины из русской истории» по образцу незадолго до этого вышедшей в Лейпциге аналогичной серии, посвященной Германии. Обладая крупными средствами, Кнебель привлек историка С. Н. Князькова для того, чтобы тот сделал список ключевых моментов истории России, подлежащих живописному изображению. Князьков придумал 51 сюжет, к каждому из которых Кнебель заказал соответствующую картину  у московских и петербургских живописцев. Среди привлеченных художников были А. Бенуа, Д. Кардовский, Е. Лансере, В. Серов, М. Добужинский и другие. Оригиналы были выполнены в разных техниках – гуаши, акварели, масле, в связи с чем особой задачей для издателя стало приискание такой мастерской, в которой все они могли быть переданы в технике хромолитографии. После долгих поисков была выбрана одна из лучших европейских литографий, где, начиная с 1906 года и печатались эти листы. Билибин исполнил для Кнебеля лишь один лист, поскольку запрошенный им гонорар был слишком велик для издателя, но при этом «Суд во времена русской правды» по справедливости считается одним из лучших произведений Билибина и несомненной жемчужиной кнебелевской серии.

    Следует сказать, что, по замечанию современного исследователя Л. Юниверга, листы из «Картин русской жизни» представляют собой в настоящее время чрезвычайную редкость. Полного их комплекта нет ни в Российской Государственной Библиотеке (бывш. Библиотека им. Ленина), ни в других крупнейших библиотеках и музеях страны. Небольшой тираж (от нескольких сотен до трех тысяч) и чрезвычайная декоративность сделала хромолитографии из этой серии чрезвычайно привлекательными для коллекционеров. При этом большая часть тиража из-за высокой цены листов оставалась нераспроданной на складе издателя, где и погибла во время антинемецкого погрома 1915 года, когда был подожжен склад, типография и магазин Кнебеля. Представляемый лист, судя по сочным краскам и проработке деталей, принадлежит к числу первых отпечатков серии.

    Сюжет картины восходит к одному из жестоких обычаев древнерусского судопроизводства («русская правда» - общее название первого русского свода законов) – испытанию огнем. Суть его в том, что по распространенному верованию этого времени, если несправедливо обвиняемого поставить в гибельные для него условия, то Бог вмешается и не допустит смерти невиновного. Обвиняемого или заставляли держать руку на огне, либо проходить через костер в одной рубашке, либо держать в руках раскаленное железо без видимого ущерба для себя. Если человек испытывал при этом явственные физические страдания, то автоматически признавался виноватым.

 

 

Ж. Миро. «Лето»
Литография
Франция, 1938

Миро, Жоан  (Miro, Joan)
 (1893, Барселона – 1983, Пальма –де-Мальорка)

Испанский художник, график, скульптор, дизайнер. Представитель абстрактного и сюрреалистического направлений в искусстве ХХ века.

 

 

 

 

    Литография «Лето» входит в цикл «Четыре времени года», появление которого было инспирировано Э.Териадом, известным французским издателем греческого происхождения. В 1938 году он обратился с просьбой о создании четырех композиций к знакомым художникам-авангардистам, и в свет вышла вышла серия, где авторство «Зимы» принадлежит П.Клее, «Весны»- М.Шагалу, «Лето» создано Ж. Миро, а «Осень»- А.Ратнером.

    Тираж отпечатан в известной парижской мастерской Ф. Мурло на веленевой бумаге. На оборотной стороне листа имеется черно-белый рисунок и надпись, выполненная на корнпапире, которая содержит название, авторскую подпись и дату создания произведения «Mars 1938».

    Особенность колористического дарования Миро заключена в его пристрастии к чистым локальным тонам, при этом фактура данного листа усложнена пропечатыванием поверх красного цвета едва различимых черных  полос.

    Найденное колористическое сопоставление позволяет ощутить прохладу воды и тягучую жару, но основным цветом литографии остается черный, красный и желтый, столь характерные для живописи Испании.

    Манера Миро прослеживается и в композиции листа: в условной линии горизонта, единовременном существовании на небосводе луны и солнца, а также в неизменном присутствии «символов- посредников» -  порхающей птицы, бегущего кролика и, человеческой фигуры со стопами прилипшими  к земле.

 

 

М.  Раймонди. «Посещение Марии»; «Жертва Иоакима»
Гравюра на меди
Италия,  Ок. 1506

Раймонди, Маркантонио  (Raimondi, Markantonio)
(14575/1480, Арижини-1534(?) Болонья)

Самый знаменитый и признанный итальянский гравер XVI столетия. Обучался гравированию в мастерской болонского художника Франческо Франча.

 

 


 

 

   Биографические сведения о М. Раймонди известны благодаря подвижничеству итальянского  художника и историка искусства Джорджо Вазари. Он, в «Жизнеописаниях наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих», повествует о пребывании гравера в Венеции с 1506г. В этом году М.Раймонди исполнил копии с серии ксилографий Альбрехта Дюрера «Жизнь Марии» в технике резцовой гравюры на меди, скопировав, в том числе , и подпись знаменитого художника. Гравюры были столь искусно выполнены, что, обеспокоенный А. Дюрер, путешествуя по Италии, прибыв в Венецию, обратился в Венецианский Сенат. Вердикт был неожиданным:

   М. Раймонди было разрешено печатать оттиски, но, соответственно, без монограммы А. Дюрера. В истории искусства этот эпизод принято считать первым делом о защите авторских прав, и оттиски, принадлежащие к «запрещенному» тиражу благодаря этому факту, уже в XVI веке приобрели статус коллекционных.

    В 1511г. гравер переезжает в Рим, где знакомится с Рафаэлем и издателем Бавьера. Следует отметить что М. Раймонди первым из граверов исполнял интерпретации живописных полотен в технике резцовой гравюры, что, в частности, способствовало распространению славы Рафаэля-художника по всей Европе. После смерти Рафаэля, гравер сотрудничает с его учениками, в первую очередь с Джулио Романо.

    В 1527 г. Войска императора Карла V вторгаются в Рим. Мастерская М. Раймонди подвергается разграблению, он теряет все свое имущество, в том числе и печатные доски. М. Раймонди уезжает в Болонью, где, живя в бедности умирает в 1534(?)г.

 

 

Я. де Гейн (II). С ориг. К. ван Мандера. «Спаситель мира»
Резцовая гравюра
Западная Европа, Начало XVIIв.

Гейн, Якоб де (Gheyn, Jacob de)
(1565, Антверптен - 1629, Гаага)

Продано

Живописец, рисовальщик, гравер. Представитель известной голландской династии художников.

 

 

 

 

   В 1585г., приехав в Харлем, поступил в мастерскую Хендрика Голциуса. Блестяще усвоив уроки своего гениального учителя, он, впоследствии, станет основным интерпретатором его гравюрных инвенций, самой знаменитой из которых считается серия из 12 листов «Офицеры и солдаты личной гвардии императора Рудольфа II».

    В 1598г. был принят в гильдию Св.Луки в Гааге, с присвоением квалификации мастера. После этогособытия Я.де Гейн сосредоточил свои силы на освоении техники масляной живописи, оставив занятия гравированием.

    Я. де Гейн гравировал не только по композициям Гольциуса, но и по рисункам Карла ван Мандера, Абрахама Блумарта, Яна Брейгеля Старшего, Бартоломеуса Спрангера и , зачастую, по своим рисункам.

    Его жанровый диапазон довольно широк. Им был создан ряд портретов современников, среди которых Ш.Клузий, Т.Браге, И.Грозный.

   Также Я. де Гейн сотрудничал с рядом издательств как иллюстратор.

 

 

А. Дюрер. «Святые Стефан, Сикст и Лаврентий»
(Bartsh#108)
Обрезная гравюра на дереве
Германия, Ок. 1505

Дюрер, Альбрехт  (Durer,  Albrecht)
(1471,Нюрнберг-1528,там же)

Живописец, рисовальщик, гравер, теоретик искусства. Диапазон его творческих интересов охватывал также архитектуру, фортификацию, математику и поэзию.

 

 

 

 

    Изображение трех раннехристианских мучеников является самым ранним прецедентом в немецком искусстве XVI века, и создано А.Дюрером во время своего второго путешествия по городам Италии  (Венеция, Флоренция, Болонья и Рим) в 1505-1507гг.

    Святые отцы представлены со своими атрибутами. Святой Стефан-первый христианский мученик (?- ок.33-36г.), изображен безбородым молодым человеком, с тонкими чертами лица, держащим пальмовую ветвь мученика и камни, лежащие в складках одежды, коими был побит за христианскую проповедь в Иерусалиме около 33-36г.

    А.Дюрер обратившись к римской традиции, изображает Св.Стефана вместе с другим мучеником - диаконом Святым Лаврентием, поскольку место захоронения их мощей находится под алтарем Базилики Св.Лаврентия в Риме.

    Святой Лаврентий (225-258гг.) состоял архидьяконом при Папе Сиксте II. После убийства Папы, римский префект потребовал выдачи сокровищ Церкви. В ответ на это, Св. Лаврентий созвал всех бедняков, убогих и калек Рима, раздал им все имущество Церкви и объявил префекту, что бедняки и есть богатство Церкви. За эту дерзость он был заживо изжарен на железной решетке, которую, на изображении, он держит в левой руке.

    В центре композиции изображен Святой Сикст II (?-258гг.) двадцать четвертый Папа Римский, держащий кожаный мешочек, содержащий сокровища Церкви. Он изображен старцем, облаченным в Triregnum-тройную корону.

 

 

С. Дали. «Скупцы и расточители».
Иллюстрации к «Божественной комедии» Данте
Цветная ксилография
Франция, 1963

Дали, Сальвадор (Dali, Salvador)
(1904, Фигерас – 1989, там же)

Испанский живописец, график, скульптор, режиссёр, писатель. Один из самых известных представителей сюрреализма.

 

 

 

 

   В начале 1950-х гг. С. Дали получил заказ от итальянского правительства на создание иллюстраций к «Божественной комедии» Данте. Им было создано 100 акварелей по числу песен поэмы. Название каждого листа придумано самим С. Дали. Спустя 9 лет, в итальянском правительстве возникли разногласия по поводу правомерности создания иллюстраций испанским сюрреалистом к книге великого поэта, чье семисотлетие Италия собиралась отметить в 1965 году. Заказ был отозван, но вскоре С. Дали получил предложение от французского издателя Жозефа Форэ, создать цветные ксилографии, с точностью воспроизводившие акварельные листы. Для этого потребовались силы двух французских печатных мастерских, изготовивших (в период сапреля1959 г. по ноябрь 1963 г.) до 3500 досок, передающих тончайшие градации акварельных полутонов оригиналов.

    Все доски этого тиража по окончании работ, были уничтожены во избежание создания копий.

 

 

А. де Тулуз-Лотрек. «Портрет актрисы мадам Режан»
Литография
Франция, 1951

Тулуз-Лотрек, Анри Мари Раймон де (Toulouse-Lautrec, Henri Marie Raymond de) 
(1864,Альби -1901, Жиронда)

Продано

Французский живописец, один из ярчайших представителей постимпрессионизма.

 

 

 

 

   Портрет французской актрисы Габриэль Режан был создан А. де Тулуз-Лотреком в1899г. По воспоминаниям о ее выступлении в театре Варьете в пьесе «Мадам Без-Стеснения» («Madame Sans-Gene»). Габриэль Режан (Шарлотта Режу) (1856-1920) - актриса реалистического направления, с успехом игравшая не только комедийные роли, но и познакомившая французскую публику с драматургией Ибсена и Золя.

    Её выступление в пьесе В. Сарду  «Madame Sans-Gene», сделало ее знаменитой не только во Франции, Великобритании и США, но и повлекло за собой создание двух экранизаций этой комедии (1900г.,1911г.)

    Литография была впервые опубликована в 1899г., чрезвычайно малым тиражом (на сегодняшний день исследователям известны лишь два экземпляра этого издания).

    В дальнейшем, литографский камень поступил в собрание лондонской компании «Ernest Broun & Philips Ltd» и передан в музей художника в Альби.

    В 1936г. с камня был отпечатан дополнительный тираж в 75 экз. издательством «The Leicester Galleries» в Лондоне. Третий тираж был предпринят в 1951г. Обществом друзей музея в Альби в количестве 100 экз.

   В левом нижнем углу присутствует авторская подпись-монограмма Анри де Тулуз-Лотрека.

 

 

Ф.Гойя. «Капричос». Лист 51 «Прихорашиваются»
( из 5-го издания, тираж 230 экз.)
Офорт, акватинта
Испания, 1880-е

«Иметь длинные когти- настолько предосудительно,
что запрещается даже нечистой силе».
 Из «Комментария Прадо»

Гойя-и-Лусьентес, Франсиско Хосе де  (Goya y Lucientes, Francisco José de)
(1746, Фуэндетодос - 1828, Бордо).

 

 

 

 

    Цикл «Капричос» (1797-1799гг.) сопровождается вербальным рядом, который с большей долей вероятности признается авторским или написан Ф. Гойей совместно с его другом, художественным критиком Сеаном Бермудесом.

    После поступления 80-ти листовой серии в продажу, художник опубликовал следующий комментарий, который требовался даже для современников:

   « Я избрал для своего произведения из множества сумасбродств и нелепостей, свойственных любому гражданскому обществу, а также из простонародных предрасcудков и суеверий, узаконенных обычаем, невежеством или своекорыстием, те, которые счел особенно подходящими для осмеяния и в то же время для упражнения фантазии».

    Газетное объявление о продаже «Капричос» появилось в феврале 1799г. Продажа первого издания продолжалась несколько дней. Из общего тиража (300 экз.) было продано всего лишь около 60-ти экземпляров, включая предварительную подписку. По всей видимости, продажа и дальнейшая печать серии была прекращена по настоянию представителей Церкви и аристократии. Оставшаяся часть тиража вместе с офортными досками была преподнесена Ф. Гойей в дар королю Карлосу IV и затем передана в Королевскую калькографию.

    Представляется справедливым мнение о совершенно отдельной технике, которую Ф. Гойя-гравер применил для создания данной серии. Искусству офорта он учился в Мадриде у сыновей Дж. Б. Тьеполо, а способ переноса авторского рисунка на медную пластину перенял у мадридских граверов-репродукционистов. Подготовительные рисунки были выполнены сепией в размер будущего оригинала и накатывались между валами печатного станка на покрытую лаком офортную доску. После этого доски дорабатывались офортной иглой, а затем, Ф. Гойя приступал к последовательному травлению их  в технике акватинты. При этом, стремясь к смягчению границ тоновых плоскостей, он нередко, пользуется шабером, полируя излишне темные места.

 

 

Ф.Гойя. «Бедствия войны».
Лист 4 (второе издание)
Офорт, акватинта
Испания, 1892

Ф.Гойя. «Бедствия войны».
Лист 39 (второе издание)
Офорт, акватинта
Испания, 1892

Гойя-и-Лусьентес, Франсиско Хосе де  (Goya y Lucientes, Francisco José de)
(1746, Фуэндетодос - 1828, Бордо).

 

 


 

 

   Серия «Бедствия войны» («Los Desastres de la Guerra» принадлежит к числу шедевров позднего творчества Ф. Гойи. Она вышла в свет лишь в 1863г., когда были найдены доски, которые художник подарил Королевской Академии Художеств Сан-Фернандо.

    Хотя доски были награвированы в 1818-1820гг., из-за сложившейся политической обстановки серия была отпечатана единственным пробным тиражом. Цикл состоит из 82-ух листов, горизонтального формата, выполненных в технике офорта в сочетании с акватинтой.

    Художник был очевидцем событий 1808г., когда в Испанию вторглась армия Наполеона. Последующая оккупация страны вызвала волну сопротивления, приведшую к партизанской войне-герилье, которую французы так и не усмирили.

    Сцены расстрела и казни, виселицы и гарроты, мучения раненых и изуродованные трупы, чума и голод - все это изображено с ужасающим реализмом. Основная часть серии была создана непосредственно по живым впечатлениям. По свидетельству современников, Ф.Гойю часто видели рисующим прямо на местах боев в осажденной Сарагосе.

    Данные оттиски происходят из второго издания (1892г.), выполнены на бумаге верже ручного отлива.

 

 

Л. Лейденский. «Портрет юноши с черепом»
Резцовая гравюра на меди
Нидерланды, 1519

Лейден, Лукас ван (Leyden, Lucas van) 
(1489/94,Лейден-1533,там же)

Нидерландский живописец, рисовальщик, гравер.

 

 

 

   По свидетельству Карела ван Мандера,первого биографа Луки, «он был как бы уже рожден живописцем и гравером с кистью и резцом в руках...еще девятилетним мальчиком выпустил в свет превосходно и тонко исполненные на меди гравюры собственного измышления».  

    Первым наставником художника был его отец-живописец Хуго Якобс. С 1509 г.  Лука продолжил обучение у Корнелиса Энгельбрехтсена, первого в Лейдене мастера, ставшего писать масляными красками.

    Лукас ван Лейден исполнил около 170 эстампов в технике гравюры на меди, офорта и ксилографии. На его творческие искания оказало  сильное влияние гравировальное искусство А. Дюрера, М. Раймонди, Я. Госсарта. Такие его работы как «Давид, играющий на арфе перед Саулом» (1508), «Се человек» (1510), «Триумф Мардохея»(1514), «Голгофа» (1517), «Мария Магдалина» (1519) вошли в число абсолютных шедевров графического искусства.

    Известно, что Дюрер, будучи в Антверпене выменял на свои гравюры полный комплект его эстампов. По свидетельству Карела ван Мандера, тогда же они создали «один с другого портреты с натуры, и оба изъявили радость по поводу их знакомства».

    «Портрет юноши с черепом» был награвирован Лукой в 1519 году и вплоть до второй половины 20 века считался его автопортретом, поскольку на этот факт указывал Карел ван Мандер. Гравер изобразил юношу , с тонкими чертами лица, одетого в богатую одежду, который держит, чуть прикрыв полою кафтана, человеческий череп, изящным жестом свободной руки указывая на него. Подобный образ рефлексирующего молодого человека с черепом, по всей видимости, является персонификацией идеи бренности всего сущего. Следует отметить, что манера гравирования Луки всегда узнаваема по неповторимо оригинальной линии, всегда очень тонкой и живой.

 

 

Ф.И. Иордан. «Умирающий Авель».
С ориг. А.П. Лосенко
Резцовая гравюра
Россия, 1827

Иордан,  Федор Иванович
(1800,Павловск-1883,Санкт-Петербург)

Гравер на меди и стали, рисовальщик, мозаичист, педагог, хранитель эстампов в Эрмитаже.

 

 

 

 

    В девятилетнем возрасте был определен в Академию Художеств, а в марте 1819 г. был принят в Гравировальный класс, возглавляемый профессором Н.И. Уткиным. Позже, в 1829 г. учился в Париже у Тардье, а в 1830 году- в Лондоне у Раймбаха и Робинсона. В1835 г. поселился в Риме и принялся по совету Брюллова, гравировать с ориг. Рафаэля «Преображение». В 1844г. получил звание академика, а в 1855 г., после смерти Галактионова, занимал должность профессора гравирования в Академии.

    Выполнил множество портретов современников, работал в жанре книжной иллюстрации, но вершиной его творчества являются гравюрные интерпретации с живописных полотен Соколова, Рафаэля,Чиголи, Егорова.

    Ф.И. Иордан в «Записках ректора и профессора Академии Художеств» вспоминает: «Я ... выбрал себе картину Лосенко , которую по окончании гравюры наименовали «Умирающий Авель»».  В 1827 году за исполнение этой гравюры он получил первую золотую медаль, и  по свидетельству Д.А. Ровинского «его «Авель» пользовался полным вниманием публики». За эту же гравюру он получил золотые часы от императора Николая Павловича.

    Данный лист (3-е состояние) несет лучшие качества одной из самых трудоемких техник гравирования - резцовой гравюры, с ее чистотой и плавностью линий , свободой и твердостью штриха и выполнен с живописного пластического этюда А.П. Лосенко. Фигура «Авеля» расположена по диагонали, и в сложном ракурсе тела, пронизанного судорогой боли, угадывается сильный, страдающий человек.

 

   
 
   
 
 

Де Брюин, Корнелий (Корнелиус)

Название: Панорама Москвы

Размер: 200 х 65 см.

Продано

Дата: 1710-е (1719 ?)


 

 

   Корнелий (Корнелиус) Де Брюин (1652 – 1727) – выдающийся голландский художник и путешественник. В конце XVII века он совершил обширное путешествие по странам Ближнего Востока и Европы, описание которого, изданное в 1698 году, принесло ему широкую известность. В 1699 году он получил должность в академии художеств в Гааге. В этом же году мэр Амстердама, известный географ Николаус Витсен предложил ему возглавить экспедицию в Персию и Россию. Перед путешественником стояли две основные задачи - научная и геополитическая. Первая состояла в том, чтобы описать и зарисовать малоизученные развалины древней персидской цивилизации, а вторая – в формировании положительного образа России в глазах Запада на фоне начинающегося по воле Петра I экономического сотрудничества между Голландией и Россией. 23 июля 1701 года де Брюин покинул Гаагу. Из-за начавшейся русско-шведской войны он не мог воспользоваться наземным маршрутом и вынужден был плыть кружным путем, прибыв в Архангельск и оттуда двигаясь на юг через Вологду и Ярославль. В середине января 1702 года он прибыл в Москву и поселился в доме голландского посланника Николааса ван дер Хулста в Немецкой Слободе. Последний представил Де Брюина царю, который не только разрешил ему путешествовать по России, но и особо настоял на том, чтобы Де Брюин рисовал российские военные укрепления, желая таким образом продемонстрировать западному миру возросшую военную и политическую мощь страны. В Москве Де Брюин задержался почти на год; существенную часть этого времени заняла начатая в апреле 1702 года работа над громадной панорамой Москвы.

   Он рисовал ее с самой высокой точки тогдашней Москвы – с Воробьевых гор. На тот момент это было самое большое и самое подробное изображение российской столицы (лучший и подробнейший из предшествующих видов, сделанное анонимным художником в 1682 году с гравюры Луки Килиана, имеет размер всего 52 х 59 см.). Фотографическая точность изображения в сочетании с художественным талантом Де Брюина делают этот рисунок одним из несомненных шедевров среди обширного количества видов Москвы. 

   Рисунки, привезенные Де Брюином из путешествия, гравировались и печатались в Гааге в 1710-х годах тиражами, не превышавшими 1000 экземпляров. Из-за тяжелой экономической ситуации в Голландии листы и печатный отчет о путешествии продавались тяжело, тем более, что одновременно вышло из печати еще два больших иллюстрированных путешествия в Персию. Это привело к тому, что существенная часть тиража осталась нераспроданной и погибла, а сам художник закончил свои дни в сугубой бедности.

   В настоящий момент «Панорама Москвы» Корнелия Де Брюина является чрезвычайной редкостью и отсутствует в большинстве музеев. Предлагаемый экземпляр превосходной сохранности из числа ранних, сочных и хорошо пропечатанных оттисков. Предмет имеет музейное и коллекционное значение. 

 

 

«Замечательные виды горной Швейцарии». 1785.

По акварелям Каспара Вольфа (1735-1798).

Офорт, цветная акватинта.

Размер: 60 х 54 см.

Продано

 


 

   Листы из графической сюиты "Vues remarquables des montagnes de la Suisse», изданной в Амстердаме в 1785-1787 годах. Эта серия гравюр – первое цветное изображение Альп, но главное ее достоинство - в какой гравюрной технике она была выполнена.

   Очень долго европейские мастера гравюры пытались найти способ цветного печатанья. Все они происходили из уже существовавших одноцветных гравировальных техник. Первым опытом была итальянская гравюра на дереве «кьяроскуро», бытовавшая в XVI веке, затем для цветной печати были испробованы и другие гравюрные приемы – пунктир, карандашная манера, меццотинто… Но наилучшим способом оказалась относительно новая, изобретенная в 1765 году, разновидность офорта – акватинта.

    Акватинта, сама по себе богатая разнообразными приемами, применяемая для цветной печати обладает всеми возможностями для точной передачи мельчайших колористических особенностей акварельного рисунка. Такая необыкновенная для того времени точность цветопередачи требовала и значительного труда – одна гравюра печаталась с нескольких досок, последняя из которых была с очерковым контуром гравюры, а все предыдущие – с различными цветами. Число досок для одного изображения могло доходить до девяти.

    Изобретателем этого способа стал француз Франсуа Жанине (1752-1814), который вместе со своим учеником Шарлем-Мельхиором Декурти (1753-1820) прославил своими работами эту новую трудомекую технику. Они навсегда вписаны в историю европейской гравюры как одни из лучших мастеров цветной печати, а работы их уже с конца XVIII века были предметом коллекционирования.

    Именно этим двум мастерам издатель эстампов Вагнер из Берна заказал в 1779 году гравировать альпийские виды. В 1782 году Вагнер умер, после чего в свои руки это предприятие взял Рудольф Гентци, который объявил среди коронованных особ немецких княжеств и высших сановников швейцарских кантонов подписку на эстампы, и отпечатал первый лист в 1785 году, а закончил издание к 1787 году. Поскольку стоимость изготовления и печати гравюр была очень велика, то издатель на каждом листе награвировал и посвящение и герб того, кто купил дорогостоящую подписку. Тираж каждого листа составил не более нескольких десятков экземпляров.

   Листы этой серии – замечательный образец европейской цветной пейзажной гравюры XVIII века, имеют музейное значение.

 

 

Корнелис Корт (1533-1578).

«Мария Магдалина». 1566 год. 

Размер: 35,0х27,3.

Резцовая гравюра на меди с оригинала Тициана (1477-1576).

Продано


 

    Корнелис Корт (Cort; Kort) родился в голландском городе Хонне в семье золотых дел мастера. В 1552-1553 отправился в Антверпен и поступил там в ученики к прославленному граверу Иерониму Кокуs (1510-1570). В Антверпене он учился и работал двенадцать лет, выполняя разнообразные листы по оригиналам нидерландских маньеристов, а также в 1559-1561 годах по собственным рисункам награвировал серию офортов с видами предместий Антверпена.

    В 1656 году Корнелис Корт по рекомендации известного нидерландского гуманиста Доминика Лампзониуса приезжает в Венецию к уже знаменитому Тициану. Живописец сразу высоко оценил мастерство Корта и заказал ему несколько гравюр со своих полотен. Более года Корт занимался только гравированием работ Тициана, и жил в его доме на полном содержании. Под влиянием живописного стиля Тициана коренным образом меняется манера Корта, который превратился в подлинного виртуоза гравюры. Его новая техника раскрыла неведомые до него возможности выразительности резцовой гравюры, и дала решающий импульс ее дальнейшему трехвековому развитию.

    Тициан для гравюр Корта собственноручно исполнял подготовительные рисунки. Кортом по оригиналам Тициана были выполнены листы: в 1565 - «Роже освобождает Анжелику», «Св. Иероним», «Андромеда»; в 1566 – «Рай», «Каллисто», «Титий», «Мария Магдалина» и в 1567 «Несение креста». Корт блестяще справился со своей задачей, сумев передать монументальность стиля и широкие живописные эффекты оригиналов.

    Тициан ценил гравюры Корта чрезвычайно высоко, рассылая их оттиски своим знатным покровителям. А в 1566 году приобрел сроком на пятнадцать лет привилегию на издание гравюр Корта по своим произведениям.

    Выполнив заказ Тициана, Корт переезжает в Рим, где занимается гравированием по произведениям итальянских мастеров позднего Возрождения. В 1571 году Корт опять уезжает в Венецию к Тициану, а в 1572 году возвращается в Рим и живет там до самой смерти, обучая гравированию на меди.

    Экземпляр в хорошей для подобных гравюр сохранности и, что крайне важно, с сохранением полей (в XVIII веке у коллекционеров и хранителей королевских собраний было принято обрезать гравюры по краю оттиска). Гравюра имеет музейное значение.

 

  Назад Вперед